Rita Roque e o Restauro

De visita a Cascais

Mon, 29 Jul 2024 01:42:36 GMT

Cerâmica Modernista - SECLA

Hansi Stael

Nasceu em Budapeste em 1913 e faleceu em Londres em 1961.

Veio para Portugal em 1946, onde aperfeiçoou os seu vários talentos artísticos - pintura, cerâmica, artes gráficas, ilustrações, vidro, frescos - uma linguista e uma pensadora - tendo-se tornado uma artista portuguesa.

Escrever sobre a obra pictórica de Hansi Stael será como descrever um tempo na historia de Portugal, em que as experiências e transformações são um tempo de absorção sobre a arte e a representação artística que se fazia na restante europa dos anos 50 do pós guerra.

A modernidade latente na obra de Hansi Stael foi, de certa forma, uma recusa dos cânones tradicionais e das formas académicas patentes no séc.XIX em alguns meios artísticos.

Na sua obra observamos a representação do corpo humano liberto numa expressão artística que nega e se opõe ao naturalismo cru, a sua obra esta repleta de parâmetros diversos desta época e da herança contundente dos artistas e manifestos artísticos e filosóficos entre guerras e depois delas.

A geometrização das formas e a sua abstração são características da sua obra traduzindo-se na simplificação das formas que viu e reproduziu na sua plasticidade, entretanto Hansi Stael não esteve ou não consegui estar indiferente ao convívio, ás lembranças da sua terra natal, á luz que cá encontrou, bem como ás gentes e costumes desta terra portuguesa.

Hansi Stael sempre praticou um exercício de liberdade na sua expressão pictórica com um grande cromatismo ou ausência dele, sem abandonar uma qualidade estética inegável.

Na leitura da sua obra pictórica, fica o registo evidente da sua observação dos ofícios tradicionais, de uma cultura popular sem ser populista e dos diversos estratos sociais que encontrou em Portugal e que trouxe consigo, interiorizando-os na sua essência enquanto pessoa e artista. Os temas folclóricos e de cariz popular encontraram na sua obra uma vasta ressonância, nos costumes deste país que escolheu e que a acolheu.

O mar e as gentes que dele vivem e sobrevivem fazem parte constante do objeto da sua expressão artística e uma profunda exploração plástica nos seus desenhos, pintura, na sua arte em geral sem restrições ou ligações ao regime vigente em Portugal naquela época.

A obra de Hansi Stael encontra um eco verdadeiramente moderno e cosmopolita, manifesto na sua obra criativa e plástica, um conceito, uma ideia ou até mesmo um estado de espirito na sua maneira peculiar de ver o que a rodeava e o seu verdadeiro significado.

Hansi Stael usou o seu conhecimento e técnicas diferentes e diversas na sua imagética plástica.

Em 1946 mudou-se para Portugal e foi aconselhada pelo arquitecto Leonardo Castro Freire a especializar-se em cerâmica que, no mundo das artes, era a única forma de ganhar a vida em Portugal. Apresentou-a à fabrica Viuva Lamego, e ao fim de seis semanas fez uma exposição cujos os trabalhos se venderam na totalidade, tento logo a seguir feito nova exposição no SNI ( secretariado Nacional de Informação). Stael trabalhou então com João Fragoso, tento leccionado cerâmica e trabalhou igualmente na fábrica Sant'anna.

Em 1950 Stael começou a trabalhar na Secla, nas Caldas da Rainha, onde posteriormente passou a diretora artística, promovendo inovações na produção da fábrica com a introdução de desenhos modernos. Durante esse período, trabalhava duas semanas por mês na Secla e as outras duas semanas em Lisboa.

Foi um dos membros fundadores da GRAVURA (cooperativa der gravadores portugueses), tendo produzido muitas litografias, serigrafias e gravuras.

Continuou a fazer experiências com outros materiais e produziu frescos tradicionais para casas particulares, restaurantes e para o cinema Restelo.

A isto dever-se-ão os vitrais da igreja matriz de Alter do Chão, no Alentejo, bem como alguns trabalhos na fabrica de vidro da Marinha Grande.

Até à sua morte prematura em 1961, de esclerose múltipla, continuou a trabalhar na secla e a pintar em Lisboa pois sempre disse que " a pintura é a única coisa que interessa".

De cabelos em pé! Fervença ou Bandeira

Wed, 08 May 2024 01:15:11 GMT

Que grande dor de cabeça...

Atribuir a fabricas a peças de faiança não marcadas.

Toda a variedade de exemplares, sem marca, com diferentes cores, motivos e decoração, acabou por reforçar a ideia de que é extremamente difícil atribuir um local de fabrico a esta peça em faiança portuguesa que se julga ser do séc. XIX.

Após algumas hora de pesquisa e dias de leitura, dei-me conta, não só da riqueza do número de fábricas, no que diz respeito à forma e à paleta cromática, mas, também, da grande dificuldade que é atribuir uma fábrica a cada peça de faiança que não esteja marcada.

"A fábrica Bandeira ignora-se a data da fundação, sabe-se que esteve em laboração entre 1844 a 1882. Há quem afirme que já funcionava no século XVIII. Diz no post que a leiloeira atribui 2 pratos à fábrica Bandeira, mas como tal é possível, não se conhece nenhum exemplar marcado ."

"Documentado em 1840 no Largo dos Aviadores de Bandeira, na margem esquerda do rio, num edifício coberto de azulejos que albergava também a casa da família do seu proprietário Gaspar Gonçalves de Castro. Em 1877 a fábrica foi herdada pela sua viúva e filhos e gerida por Cándido Augusto de Sá Castro. Continuou a funcionar da forma tradicional com um forno a lenha. Pouco depois de 1912, deve ter cessado a produção."

Apesar de toda a dificuldade em identificar a origem desta peça que entrou há dias no Atelier Rita Roque, ela traz consigo muitos outros interesses de estudo que levantam, consequentemente, outras questões pertinentes. Encontramos a primeira dúvida assim que nos deparamos com os grampos ou gatos que agregam o fragmento à peça, retirá-los ou não? Os gatos já fazem parte integrante da historia de peça e contam-nos também de certa maneira a forma como se restauravam peças cerâmicas, para que depois de partidas pudessem continuar a ser utilizadas. A consciência e o cuidado da preservação nos dias de hoje, leva-nos a pensar na hipótese de manter os gatos nos seus locais de origem, após serem retirados, limpos e tratados.

O mais surpreendente aqui, prende-se com a solução encontrada para devolver ao jarro a sua característica de cerâmica utilitária, dando-lhe uma asa de lata, incrível trabalho do latoeiro!

O desafio está lançado!

Na consciência em ética da conservação e restauro, o que fazer?

Manter e preservar a asa em lata?

Ou devolver ao jarro a sua asa original?

À RODA COM Jorge Mealha Costa

Mon, 16 Oct 2023 16:17:46 GMT

sente-se connosco à roda de oleiro!

Por estes dias chegou-nos ao atelier uma peça do ceramista Jorge Mealha, para quem não conhece, pode aproveitar e sentar-se connosco à roda de oleiro e ficar a saber um pouco deste artista tão especial.

Considerado como um dos principais artistas em Portugal, na área da cerâmica, Filho de mãe algarvia, nasceu em Maputo, Moçambique, onde mais tarde iniciou a sua formação em Artes Plásticas no “Núcleo de Arte de Lourenço Marques”, onde estudou sob a orientação de Frederico Aires e António Quadros, tornou-se bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian, o que lhe permitiu, em 1970, estudar na Fábrica de Cerâmica da Viúva Lamego, sob o professor Querubim Lapa.

O seu percurso profissional começou em Moçambique, tendo inicialmente às áreas da decoração de interiores, cerâmica e escultura. Depois de revolução de abril de 1974, regressa a Portugal, mais precisamente a Porches e mais tarde a Lagos.

As suas obras são marcadamente inspiradas em temas da natureza, como os animais, tendo algumas das suas peças uma vertente religiosa. Segundo o próprio, apesar de ter nascido em Moçambique, foi criado e educado em ambientes portugueses, pelo que mostrou uma reduzida influência africana nos seus produtos. Além de temas naturais, também criou várias peças decoradas com motivos geométricos e figuras humanas. Exerceu igualmente como professor de cerâmica, tendo um dos seus mais destacados alunos sido Ricardo Lopes, cujas obras demonstram a influência de Jorge Mealha.

Participou em várias exposições em Portugal e no estrangeiro, tanto a nível individual como coletivo, tendo diversas obras suas sido guardadas em coleções privadas e públicas. Deixou um grande número de trabalhos, inseridos em vários planos urbanos e de arquitetura, como espaços públicos, unidades hoteleiras, estabelecimentos bancários, residências particulares, aeroportos, e instalações industriai. Também esteve representado na Alemanha pela Galerie Gerhard. Algumas destas obras foram feitas em Lagos, incluindo o Padrão Comemorativo do 10 de junho, inaugurado em 1996, os painéis de azulejos no acesso à Ponte da Marina, e vários passeios em calçada portuguesa. Foi considerado pela revista alemã Entdecken Sie Algarve como um dos mais importantes ceramistas em Portugal, e deixou-nos no ano de 2021, mas como todos os artistas, a sua arte continua viva, e ao nosso dispor para a podermos gozar.

Texto de SW

A Historia entra sem pedir licença!

Wed, 06 Sep 2023 17:24:46 GMT

Quem passa pelo Atelier Rita Roque nunca sabe quem e o que pode encontrar!

Desta feita...

Mais uma vez,

Esperando ser sempre surpreendida por este cliente, Pedro Inácio, que já o sinto como amigo da casa, de ideias e novos projetos!

Trouxe consigo uma peça bastante curiosa, que me prendeu o olhar, a curiosidade e espanto!

Ainda sem saber ao certo o porquê de tanto magnetismo...

É verdade!

Entrou no meu atelier uma peça que conta estórias e pertence à Historia da Europa e do Mundo!

Desculpem o sensacionalismo mas estou rendida a esta peça, não só pela historia que carrega mas essencialmente pelo rigor técnico que lhe confere um beleza especial.

O busto que veem é do escultor Walter E. Lemcke, foi um escultor alemão, que executou sobretudo peças em bronze, nascido na Polónia em 19 de agosto de 1891 em Prellwitz, hoje Przelewice perto de Człopa ; e faleceu em 1955 em Berlim.

A obra artística de Lemcke é situada num período de grande tensão socio-política que abrangeu a República de Weimar, o Terceiro Reich e a Alemanha do Pós-guerra.

Estudou escultura no Kunstgewerbemuseum em Berlim onde montou um pequeno estúdio após a Primeira Guerra Mundial. Atingiu notoriedade no final dos anos 1920, pelos seus nus de figuras femininas, tendo exposto alguns dos seus trabalhos em exposições de arte em Berlim e Düsseldorf. Os seus trabalhos mais famosos são o sino olímpico (em colaboração com Johannes Boehland) e a tocha olímpica, ambos desenhados para os Jogos Olímpicos de Berlim em 1936.

Desenhou também para os Jogos Olímpicos de Berlim, uma corrente de ouro usada pelos membros do Comité Olímpico Internacional, inspirado na Grécia antiga, constituída por seis medalhões ao longo da corrente representando vários atletas e um medalhão maior com a cabeça de Zeus.

Lemcke produziu inúmeras peças que retratavam águias, o símbolo nacional alemão entre as quais duas grandes esculturas no recém-construído edifício do Ministério da Aviação em Berlim. No final da Segunda Guerra Mundial, as esculturas foram removidas do que hoje é o Detlev-Rohwedder-Haus.

Talvez a estátua de águia mais importante esculpida por Lemcke tenha sido aquela que ficava no telhado do Aeroporto Tempelhof de Berlim. Projetado por Ernst Sagebiel e implementado por Lemcke, tinha 4,5 m de altura e era visível a muitos quilómetros de distância. Em vez de segurar uma suástica nas suas garras, como era usual na época, a águia segurava um grande globo terrestre para simbolizar a universalidade do aeroporto. A escultura foi fundida em ferro antes de ser tratada de modo a ter o aspeto do bronze. Em 1962 a estátua foi removida para dar lugar à instalação de novos equipamentos de radar. Da escultura original resta a sua cabeça que foi erguida em 1985 pela Força Aérea dos EUA na orla da Praça do Transporte Aéreo, também denominada "Praça da Águia".

O busto de uma velha senhora em terracota que está para restauro no atelier, foi modelada pelo artista no ano de 1936 e tratar-se-á de peça única, desconhecendo-se a existência de múltiplos bem como de quaisquer outras esculturas executadas pelo artista recorrendo a este material.

Muitas das suas esculturas estão atualmente expostas em jardins públicos e museus por toda a Alemanha.

Após a 2.º Guerra Mundial Walter Lemcke não foi associado ao regime nazi, no entanto, foi gradualmente caindo no esquecimento, tendo produzido poucas obras esculturais até à sua morte em 1955.

#conservaçãoerestauro

#terracota

#alemnha

jogosolímpicos

O que Azulejou os dias do Atelier nos meses de Março e Abril

Sat, 27 May 2023 17:32:20 GMT

Palácio da Atalaya preserva o seu património azulejar

Planta em T, de 2 pisos, cobertura diferenciada em telhados de 2, 3 e 4 águas no edifício principal e 1 e 2 águas nas dependências de apoio; fachadas com embasamento, rebocadas e pintadas de branco; fenestrações distribuídas regularmente pelas diferentes fachadas, todas de moldura rectangular em cantaria, com janelas e portas de duas folhas. Fachada principal voltada a E. delimitada por cunhais de cantaria em aparelho rusticado, formando 3 corpos, 2 laterais correspondendo às áreas de serviço e privadas e o corpo central realçado pela escadaria de 2 lanços paralelos com patamares intermédios que ligam a 2 lanços convergentes com patamar superior; guardas em balaustrada de cantaria.

Rural, isolado, destacado. O edifício encontra-se circundado pelas antigas Marinhas da Atalaya, em zona protegida e fértil de avifauna. Implantado no meio de terreno rodeado por jardins, piscina e court de ténis. Do lado da fachada lateral direita e posterior erguem-se várias construções de apoio (garagem para tractor; forno der lenha; canil; pombal, arrecadações; telheiro para lenha). Do lado esquerdo uma pérgola construída com materiais da antiga capela.

1725 / 1728 - o edifício foi erguido por ordem de Ratton; 1870 - a propriedade pertencia ao Visconde de Correia Godinho; Séc. 20 - a propriedade é alugada a uma empresa espanhola para a recolha da "camarinha", sendo posteriormente vendida a área das Marinhas.

Trabalho realizado pelo Atelier Rita Roque com a supervisão de Telma Gomes

#conservaçãoerestauro

#azulejos

#restaurodeazulejos

Convento de Santa Clara abre portas completamente restaurado

Sat, 27 May 2023 16:56:13 GMT

Convento de Santa Clara abre portas completamente restaurado

O Presidente do Governo Regional visitou na quinta-feira, dia 18 de maio, o Convento de Santa Clara, concluída que está a obra de reabilitação e restauro do mesmo que passa a ser “monumento visitável”.

Os trabalhos desenvolveram-se a dois níveis – implementação do “projeto de museologia/museografia das áreas visitáveis e a beneficiação global da Igreja e do Convento – tendo, contemplando, entre outros aspetos, conservação e restauro do património artístico, móvel e integrado, designadamente conservação e restauro de pintura, escultura e talha dourada, conservação e restauro de azulejos do Convento e escavação arqueológica dos poços-cisterna.

Uma das componentes dos trabalhos foi iniciada em agosto de 2019 e a segunda em setembro de 2022 e concluída em finais de abril de 2023, tendo representado, globalmente, um investimento na ordem dos 2,3 milhões de euros apoiado por fundos europeus.

O projeto museologia incluiu ainda a elaboração de um guia bilingue sobre o Convento de Santa Clara e a implementação de suportes gráficos, nomeadamente no circuito visitável.

Trata-se de um investimento do Governo Regional, apoiado por fundos europeus e que ascendeu aos 2,3 milhões de euros”.

“Fizemos mais uma reabilitação exemplar do nosso património edificado e do nosso património móvel, disponibilizando, agora, zonas visitáveis para os madeirenses e àqueles que nos visitam e que queiram conhecer esta maravilha do nosso património nacional”, frisou na oportunidade o governante que se fazia acompanhar de diversas entidades, nomeadamente por D. Nuno Brás, bispo do Funchal.

“O Convento de Santa Clara é um monumento nacional muito importante no contexto do património móvel e edificado na Madeira, onde concretizamos uma beneficiação de excelência, aproveitando de forma exímia os fundos europeus”, concluiu o chefe do Governo.

O Convento de Santa Clara constitui um dos mais importantes testemunhos do património cultural e histórico da Região, estando classificado como Monumento Nacional desde 1940.

Construído no período manuelino (séc. XV), é um imóvel gótico tardio que, apesar das profundas transformações artísticas e arquitetónicas ocorridas nos sécs. XVII e XVIII, em plena época barroca, conserva ainda testemunhos da sua traça primitiva.

Este é o único convento do século XV da Região – as suas obras iniciaram-se em 1492 –, sendo uma das casas religiosas mais importantes a nível nacional, à época, e contém, no seu espólio pinturas, esculturas, azulejos, talha, mobiliário, elementos construtivos e decorativos únicos.

Coube à Irmã Belinda de Castro, ler uma mensagem da Irmã Isabel Gomes, superiora da Província Portuguesa do Instituto das Irmãs Franciscanas Missionárias de Maria.

Uma mensagem que “expressa, em nome de todas as Franciscanas Missionárias de Maria, a nossa profunda gratidão, pelo empenho de tantos, na reabilitação e restauro deste monumento nacional”.

https://www.jornaldamadeira.com/2023/05/19/convento-de-santa-clara-abre-portas-completamente-restaurado/

Momentos Felizes!

Sat, 25 Feb 2023 18:38:41 GMT

O privilégio de trabalhar em peças de rara beleza e com valor artístico!!!

Jeanne Grandpierre, ceramista francês

Nascida em 1942 em Villers-les-Pots, Borgonha, Jeanne Grandpierre é autodidata.

Ela treinou em diferentes técnicas de cerâmica em várias oficinas.

O seu tema preferido é a feminilidade e a sua fragilidade, que aborda através da escultura, montada em bobinas e a lenha.

Em 1973, ela conheceu o ceramista Alain Girel em Valaurie no Drôme. Juntos, eles se mudaram para o vilarejo de La Borne e lá permaneceram até 1982.

O casal está na origem do primeiro Simpósio Internacional de Cerâmica em La Borne em 1977, ato unificador com Jean Linard , Michel Lévêque , Jean Pierre Viot , Pierre Digan e Janet Stedman . Este evento aberto ao mundo artístico traz a esta pequena aldeia um esplendor que ultrapassa fronteiras.

Entre os 60 convidados franceses e estrangeiros, todos artistas da terra, mencionemos Pierre Baey , Michel Ruffe , Claude Champy , Nicole Giroud , Antoine de Vinck , Joëlle Deroubaix-Laroussinie , Jacques Laroussinie , François Guéneau , Daniel Sarver , Agathe Larpent- Ruffe , Jean-Paul Van Lith , Evelyne Porret , Michel Pastore , Jean-Claude De Crousaz , Edouard Chapallaz , ... sob o patrocínio do escultor César .

Embora tenha colaborado posteriormente com a obra de Alain Girel, que entretanto se tornou seu marido, também expôs. Seleção no concurso internacional de cerâmica em Faenza em 1987, em Deventer (Holanda) em 1986, em Paris 'Figuration Terre' em 1985, em Montpellier 'Vivre sa mort' em 1983 onde mumifica caixas, em Aigues-Mortes em 1983.

Texto extraído do artigo de Alain Girel, Janeiro de 2001, A revista da cerâmica e do vidro n°118

" Receita para um simpósio de sucesso .

O lugar: La Borne com seus três anos de arenito de alto fogo, cerca de cinquenta oficinas ativas, argila, madeira, grandes fornos a serem reativados oferece a base ideal para criar um evento que combina tradição, modernidade e visão de futuro.

O projeto: em La Borne lenta e inexoravelmente o nevoeiro, a floresta, o barro fecham os braços sobre as lânguidas oficinas. Em algum momento é preciso reagir e se abrir para o mundo, trocar, comunicar, aprender, se renovar. Mas das profundezas desta clareira o mundo é tão distante e tão vasto! … Uma ideia de repente ilumina a paisagem: não iremos ao mundo, o mundo virá até nós e assim convidaremos sessenta artistas de catorze países. O que oferecer a eles?

A nossa riqueza: terra, madeira, todos os materiais e materiais possíveis, oficinas individuais, infraestrutura de uma empresa local, alojamento, refeições e uma massa elevada: a comunhão de todas estas personalidades e culturas cerâmicas contrastantes no recomeço da atividade e na queima de um dos grandes fornos abandonados [...]" (antigo forno da família Foucher-Bernon com capacidade para 25 m3, desde então chamado de forno comum deitado)

#cerâmica

#conservaçãoerestauro

#restaurodecerâmica

#jeannegrandpierre

Museu do Abade de Baçal lança campanha para restauro dos seus tesouros escondidos

Fri, 24 Feb 2023 15:49:24 GMT

No museu de Bragança é inaugurada este sábado uma exposição com as peças mais importantes que se encontravam nas reservas e com ela lança-se uma campanha de angariação de fundos para as restaurar.

Restaurar o património, preservar a memória é a exposição que o Museu do Abade de Baçal , em Bragança, inaugura este sábado com o objectivo de desvendar “verdadeiros tesouros” que habitualmente tem guardados nas reservas. Quem o diz é Jorge Costa, o director do museu que partilha a curadoria da exposição com Georgina Pessoa, realçando o ecletismo das obras que serão mostradas, algumas desconhecidas do público.

“Temos colecções que variam entre a pintura, escultura, mobiliário, documentos e cerâmica. Algumas destas obras já fizeram parte da exposição permanente do museu, mas, agora, encontram-se em muito mau estado [de conservação] e sem condições de serem apresentadas”, explicou este responsável.

É por isso que a direcção do museu decidiu avançar, em simultâneo com a exposição, com um projecto de sensibilização destinado a angariar fundos para as restaurar. “Queremos chamar à atenção para a possibilidade de envolver a comunidade, seja individualmente ou através de empresas sediadas na região, para que colabore com o museu e nós possamos fazer o restauro destas obras., porque só assim elas poderão voltar a ser expostas”, adiantou.

Foram seleccionadas 25 obras para a exposição que ficará patente até meados de Abril, enquanto o projecto continuará online no site do museu, permitindo ao público fazer os seus donativos e acompanhar o processo de crowdfunding.

Entre as mais de duas dezenas de obras seleccionadas para exposição o destaque vai para Circuncisão, uma pintura a óleo sobre madeira “muito próxima da Escola de Grão Vasco ”, um dos mais importantes pintores portugueses da primeira metade do século XVI.

“Trata-se de uma peça maravilhosa, mas precisa de um restauro cuidado. Depois disso queremos expô-la no nosso museu para que possa ser apreciada por todos os visitantes”, diz Jorge Costa. Sendo uma obra de relevo e estando “bastante danificada” estima-se que sejam precisos mais de dez mil euros para a requalificar.

Este projecto é também encarado como um motivo para o Museu Abade de Baçal investir no estudo das obras, que se mantêm há largos anos guardadas e sem o devido reconhecimento pelos visitantes e pelos investigadores.

“Queremos conservar, preservar e também estudar o nosso espólio. Com esta exposição e, posteriormente, com o estudo, pretendemos divulgar ainda mais à comunidade todo o valor dos tesouros que temos guardados no museu”, explicou.

Tesouros há muitos, mas nem todos recebem o devido reconhecimento, como é o caso, por exemplo, das pinturas de Domingos Sequeira e Francisco Augusto Metrass ou de uma escultura da Senhora da Serra do século XIV, guardadas bem no fundo do baú do Museu do Abade de Baçal.

“Entre outras obras destacamos também escultura da Senhora da Serra do século XIV, já que se trata de uma verdadeira relíquia para nós, porque é uma santa que ainda motiva uma das peregrinações anuais mais emblemática da região de Bragança”, acrescentou Jorge Costa. "O Museu Abade de Baçal é desta região e deste território. No fundo, também estamos a apelar à importância deste património que é a nossa história, que é a nossa memória e que, se não o preservamos, vai-se perder."

Uma boa parte do acervo é herança do fundador, o Abade de Baçal , mas também de outro director, Raul Teixeira, considerado a "alma artística" do museu.

“Temos aqui obras que foram doadas e outras adquiridas. Há uma diversidade imensa na forma como as obras entraram para a nossa colecção e nas épocas a que pertencem. Há peças desde a pré-história à Arte Contemporânea, passando pela epigrafia, numismática e arte sacra”, concluiu o director.

Com este projecto, a direcção pretende também dar novamente vida à Associação dos Amigos do Abade de Baçal, “uma associação importantíssima” para o acervo do espaço: “É a ela que se deve grande parte do tesouro que guardamos.”

FONTE: publico

Atelier Rita Roque Restauro

#conservaçaoerestauro

#artesacra

#restauromadeira

Os tempos mudam e transformam-nos

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Wed, 16 Nov 2022 15:02:09 GMT

Intervenção mínima

Escultura pronta para sair do Atelier Rita Roque !

Ficamos com o sentimento de serviço cumprido... Mais uma vez dentro dos parâmetros que nos caracterizam, rigor e respeito pela obra.

O que há nesta peça para que seja referência neste espaço de notícia? É o facto de não estar "bonitinha", mas a nosso ver está linda!!!! E é motivo para nos orgulharmos, mais uma vez, da nossa intervenção.

Após diálogo com o proprietário chegámos ao consenso de fazer uma intervenção mínima, o que denota uma maior consciência também por parte de quem detém peças que carregam um legado histórico.

Os tempos mudam e transformam-nos!

"A conservação e restauro de obras de arte é uma atividade que tem por objecto a reparação ou actuação preventiva de qualquer obra que, devido à sua antiguidade ou estado de conservação, seja necessária uma intervenção para preservar a sua integridade física, assim como seu valor artístico, respeitando ao máximo a essência original da obra. Na opinião de Cesare Brandi , "o restauro deve se dirigir ao reestabelecimento da unidade potencial da obra de arte, sempre que isso seja possível sem cometer uma falsificação artística ou uma falsificação histórica, e sem apagar pegada alguma do transcurso da obra de arte através do tempo." in "https://pt.wikipedia.org/wiki/Conserva%C3%A7%C3%A3o_e_restauro"

#conservaçaoerestauro

#artesacra

#restauromadeira

"Au bon marché" em Lisboa

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Mon, 26 Sep 2022 16:35:00 GMT

"Au bon marché" em Lisboa

Um sábado especial!

Na manhã ensolarada do sábado dia 24 de Setembro, entrou no Atelier de restauro Rita Roque pela mão de um cliente "especialista" estudioso por criadores, fábricas e escolas de cerâmica, esta linda peça é portadora de um legado histórico de extremo interesse.

Este jarro foi desenhado por Alphonse Voisin Delacroix em 1892 ou 1893 e executado pelo ceramista "art nouveau" Pierre Adrien Dalpayrat, e alguns exemplares como este foram vendidos desde o final do seculo XIX até ao inicio do seculo XX na loja "Au bon marché" que ainda hoje existe.

"Alphonse Voisin-Delacroix, nascido em 9 de setembro de 1857 em Besançon e falecido em 2 de abril de 1893 em Paris, foi um escultor e ceramista francês.

Alphonse Voisin-Delacroix é neto do arquiteto Alphonse Delacroix e primo por casamento de Victor Considerant, de quem pintou um retrato em 1890. Foi aluno do escultor Henri Chapu. Em 1892 juntou-se ao ceramista Pierre-Adrien Dalpayrat, autorizado a operar o forno de porcelana na Grande Rue 9 e 11 (agora destruído e localizado no local dos nºs 33 e 35 da Avenue du Général Leclerc em Bourgla-Reine, para um ano de colaboração frutífera, criando peças cujos puxadores, molduras e ranhuras fazem parte da linha Coup de Laud característico do Art Nouveau. Sua primeira exposição em dezembro de 1892 na Galerie Georges Petit (1856-1920) foi saudada pelo entusiasmo do público e continuou com a Exposição Universal de Chicago em 1893, depois um segundo contrato de exclusividade recíproca por um período de doze anos que terminou com a morte de Voisin Delacroix após uma pleurisia em 2 de abril de 1893.
A propriedade familiar La Grange Huguenet em Besançon pertence aos descendentes de Alphonse Delacroix e está aberta ao público.

Pierre-Adrien Dalpayrat ou Adrien Dalpayrat (14 de abril de 1844 - 10 de agosto de 1910) foi um oleiro francês que foi uma figura significativa na cerâmica de arte francesa , especialmente conhecido por seus inovadores esmaltes cerâmicos coloridos , principalmente em grés , mas também em faiança e porcelana . Depois de trabalhar para vários fabricantes de faiança , principalmente no sul, a partir de 1889 estabeleceu seu próprio estúdio em Bourg-la-Reine , não muito longe de Paris, com seu trabalho à venda em várias galerias da capital e outras cidades.

Ele inventou a cor de esmalte vermelho à base de cobre conhecida como " Rouge Dalpayrat " depois dele, uma variedade de esmalte sang de boeuf . Suas formas eram muitas vezes esculturais, seja em sua forma ampla, ou às vezes incorporando figuras modeladas por escultores com quem colaborou. O escultor simbolista Alphonse Voisin-Delacroix (1857–1893) foi um colaborador até sua morte precoce. Como alguns outros ceramistas Art Nouveau , Dalpayrat muitas vezes fazia peças para serem montadas com elementos de metal por empresas metalúrgicas, incluindo uma base de lâmpada projetada com um abajur de vidro e metal pelos Tiffany Studios de Nova York. Este casamento foi muito provavelmente arranjado por Siegfried Bing , cuja galeria de Paris Maison de l'Art Nouveau vendeu obras de ambos os fabricantes."

In:Wikipédia

#restaurodeceramica

Perdiz para o jantar...

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Fri, 05 Aug 2022 16:45:43 GMT

Restauro de Porcelana Espanhola

Ao longo da minha vida de conservadora restaurado de cerâmica guardo estórias espetaculares das peças que passaram pelo atelier, umas marcam pelo desafio que foi recuperar as peças, outras pela estória que contam e ainda outras pelo prazer que deram em ver o resultado final, como foi restituída toda a nobreza que lhes era inerente.

No caso desta perdiz, foi pela conjugação destes fatores e especialmente pelo resultado final. Hoje esta perdiz tinteiro voltou a ostentar toda a sua beleza.

Porcelana Espanhola da Real Fábrica de Faiança Fina e Porcelana de l'Alcora, criada em 1727 em Alcora por iniciativa de Buenaventura Ximénez de Urrea y Abarca de Bolea. A fábrica encerrou em 1945.

Foi a primeira fábrica de cerâmica industrial da província de Castellón , uma área rica em solos argilosos e água, na qual já existia uma longa tradição de olarias populares.

Foi abandonada a produção própria da região em favor de um produto a imitar obras francesas. Assim, cores vivas e traços fortes de desenho foram substituídos por tons delicados e linhas suaves. Tentavam também obter materiais mais finos, ao invés da cerâmica espanhola da altura. Para a nova fábrica, o Conde de Aranda contratou os vinte e quatro oleiros da cidade. No início, utilizou-se a própria argila de Alcora, vermelha e rica em óxido de ferro. Esta seria substituída por outra do monte de San Cristóbal mais pobre em ferro, e que, após alguns testes, foi misturada com a antiga argila utilizada numa proporção de seis partes com um sétimo. Desta forma, foi possível cozinhar as peças a uma temperatura mais elevada e dar-lhes mais consistência. O resultado foi uma faiança rosa com verniz rachado, característica da primeira produção de faiança Alcora.

Na época entre 1742 e 1798 são feitas peças da serie "fauna de Alcora", em que se faziam pedaços de faiança policromada ou terra de cachimbo como molheiras ou terrinas, em cujas capas aparecem animais fielmente retratados; na mesma linha estão as chamadas « placas de engano», em que frutas e animais são representados em relevo.

in:

https://es.wikipedia.org/wiki/Real_F%C3%A1brica_de_Loza_Fina_y_porcelana_de_Alcora

Faiança do Séc. XX

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Thu, 10 Mar 2022 16:09:09 GMT

Conservação e restauro de faiança portuguesa

O desafio e a resposabilidade coabitam num atelier de um conservador restaurador. Chegou esta manhã ao atelier esta peça da fábrica Fábrica de Louça da Fonte Nova do pintor Licínio Pinto no seu estado de conservacao e razoável embora lhe falta uma asa. A sua prospota de intervenção passa pela reconstrução através de moldes da referida asa.

Licínio Pinto e Francisco Pereira

A mais famosa dupla de ceramistas aveirenses

Licínio Pinto e Francisco Pereira é a dupla de pintores de azulejos mais famosa de Aveiro, com obras espalhadas por todo o país, com destaque para estações da CP, sendo autores das três primeiras estações portuguesas decoradas com painéis artísticos.

Durante mais de duas décadas, Licínio Pinto da Silva (1882 – 1951) e Francisco Luís Pereira (1891 – 1961) formaram a mais conhecida e produtiva dupla aveirense de pintores de azulejos, autores de obras públicas espalhadas por todo o país, produzidas em empresas de referência no panorama da cerâmica nacional: Fábrica da Fonte Nova, Empresa de Louças e Azulejos de Aveiro (E.L.A.), Empresa Olarias de Aveiro, Lda. (E.O.A.L.) e Fábrica do Outeiro, esta última situada em Águeda.

O prestígio destes dois pintores cerâmicos começou na Fábrica da Fonte Nova, fundada em 1882 pelos irmãos Melo Guimarães, a qual se tornou na mais prestigiada produtora de azulejos do distrito, e da qual Licínio Pinto e Francisco Pereira se tornaram os principais pintores. Foi precisamente na Fonte Nova que esta dupla pintou os painéis artísticos das fachadas exteriores das estações da Granja, de Aveiro e de Ovar colocados em 1914, em 1916 e entre 1915 e 1919, respetivamente, e que foram as três primeiras estações em Portugal a serem exteriormente decoradas com painéis de azulejos.

Autores do sexto conjunto de painéis mais bonito de Portugal

De acordo com a página eletrónica https://www.vortexmag.net/os-7-paineis-de-azulejos-mais-bonitos-de-portugal/ , os painéis da Estação da CP, em Aveiro, da autoria de Licínio Pinto e Francisco Pereira, foram considerados como sendo o sexto conjunto mais bonito do país.

Como curiosidade, há a registar que os conjuntos de painéis classificados em segundo e em terceiro lugar – Estação da CP do Pinhão e Igreja de Válega – foram executados em Aveiro, na Fábrica Aleluia. O primeiro conjunto é da autoria de J. Oliveira, enquanto o segundo é um trabalho coletivo.

https://diocese-aveiro.pt/cultura/aveirenses-notaveis-licinio-pinto-e-francisco-pereira-a-mais-famosa-dupla-de-ceramistas-aveirenses/

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Jacarés em Itália?

Thu, 10 Feb 2022 11:38:58 GMT

Restauro de Porcelana

Embora já tenha quase 20 anos nesta profissão ainda fico enternecida com peças como esta, que entrou no atelier para uma pequena intervenção numa unha, por brincadeira dissemos que veio à manicure!

Intuição e experiencia. A pureza da porcelana branca. Paixão por um dos mais nobres fabricantes artesanais. Respeito pela tradição. Le Porcellane é o pináculo deste equilíbrio de expressão harmoniosa, da qual expressa a sua vocação por excelência italiana.

Por mais de 70 anos, mãos especializadas trouxeram vida a conquistas valiosas, as mesmas que fizeram possível esta afirmação por todo o mundo. Fundado na Florença em 1948, Le Porcellane tem sindo enriquecida ao longo do tempo com novas formas e decorações para a casa e iluminação. Sinuoso, formas essenciais derivadas e uma evidente paixão por matérias-primas, experimentação e investigação. Decorações em 24 quilates de ouro ou em platina o que torna cada objeto precioso e único. Um aumento de coleções fascinantes do conhecimento e compreensão de uma procura contínua da perfeição, sinónimo do mais verdadeiro artesanato em Itália.

Le Porcellane é a perfeita síntese entre os conhecimentos antigos e o pensamento inovador. Uma marca na qual a elegância do passado e reinventada de acordo com tendências contemporâneas. Novas inspirações iluminadas com estilo e refinação de uma marca que possui a essência olhar para o além. Contemporâneo, clássico, geométrico e também minimalíssimo. Aqui, formas intemporais tomam uma nova vida sem perderem a sua alma. Cada objeto é criado para harmonizar com decoração fina- não só residências refinadas, mas também hotéis prestigiados, resorts e iates exclusivos. A alma da Le Porcellane encontra-se em detalhes refinados, tornando se numa porta-voz de elegância e ecletismo em todo o mundo.

https://www.leporcellane.it/en/company

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Faiança Portuguesa sec.XVIII

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Mon, 08 Nov 2021 20:47:44 GMT

Faiança Portuguesa sec.XVIII

Faiança Portuguesa

Este lindo prato em faiança que chegou ao Atelier Rita Roque , que se julga ser do sec.XVIII, foi encontrado nas margens do rio Tejo em Santarém.

Nas minhas pesquisas encontrei este texto que vos deixo aqui para que possam desfrutar da sua leitura, mas que me deixou dúvidas na datação deste exemplar, se por vezes parece do sec.XVIII, após a leitura destes textos fico com a impressão que poderá ser do sec.XVII. Vou continuar nas minhas pesquisas para poder ter mais elementos de avaliação da sua data. Seja como for acho-o lindo e sinto-me muito responsável e consciente do artefacto que tenho comigo.

...” Período III: 1610–1635

É o período da consolidação da produção, ou seja, a época em que surgem peças de elevada qualidade decorativa e grandes dimensões e cujo valor devia reservá-las às elites nacionais e à exportação. É o período “áureo” da faiança portuguesa que Reynaldo dos Santos acreditou ser algo posterior. As formas predominantes continuam a ser os pratos e taças, mas surgem algumas garrafas e jarros de grandes proporções, mais frequentes nos contextos estrangeiros que nos nacionais. Estilisticamente é o momento em que mais fielmente se copiam os modelos orientais. O centro dos pratos apresenta diversas paisagens bucólicas chinesas com a representação de animais e indivíduos. As abas dividem-se em cartelas, surgindo os primeiros aranhões inspirados nos rolos de papel, folhas de artemísia, leques e cabaças, que imitam com enorme rigor. A par destes elementos, figuram também, dentro das cartelas, flores, como os crisântemos, frutos, tais como pêssegos e romãs, e zoomorfos, maioritariamente aves. As decorações de influência europeia que surgiram no período anterior continuam a ser recorrentes, emergindo, em paralelo, uma grande afluência de brasões nobiliárquicos, o que, mais uma vez, comprova que eram peças destinadas ao consumo das elites. É nesta fase que a decoração começa a misturar diversas influências. Reconhecem-se nos contextos arqueológicos nacionais, objetos reservados às camadas sociais mais abastadas, sendo recuperados, essencialmente, em palácios, casas abastadas, conventos e mosteiros.

Período IV: 1635–1660

É a época da explosão criativa da Faiança Portuguesa, mas, de igual modo, da perda de parte do seu requinte decorativo. A explicação deste fenómeno passa pela “democratização do seu consumo”. Esta expansão deve ser vista à luz da Fig. 5 – Taça datada de 1621 da colecção do Museu Nacional Soares dos Reis (seg. Santos, 1960). Revista Portuguesa de Arqueologia - volume 16 | 2013 | pp. 351–367 Faiança portuguesa : datação e evolução crono - estilística 358 lógica mercantilista que tinha invadido a Europa desde inícios do século XVII. Com a ampliação do mundo comercial, mudou-se a atitude de consumo das sociedades europeias e, naturalmente, da portuguesa. Agora também as camadas tradicionalmente mais baixas, enriquecidas pelo comércio ultramarino, sentem que podem consumir objetos que, anteriormente, estavam apenas destinados às elites, também elas podem consumir os símbolos do status social. Surgem, assim, as peças destinadas ao consumo generalizado. É neste período que os três centros produtores, Lisboa, Coimbra e Vila Nova, abastecem intensamente o país, as colónias e muitos dos seus parceiros comerciais. Os contextos arqueológicos referentes a estas cronologias oferecem elevadas quantidades deste material, superando, por vezes, a louça comum. No entanto, o crescente consumo e demanda levaram a um decréscimo da qualidade, essencialmente no que respeita às pastas e esmaltes. Também a delicadeza decorativa se perde, mas por outro lado, e tentando responder ao crescente consumo, aumenta o reportório iconográfico, com o aparecimento de novos elementos decorativos. É nesta fase que surgem as peças com riscas verticais e semi-círculos concêntricos como se identificou no sítio Pentagoet I, ocupado entre 1635 e 1654, que ofereceu um destes pratos (Pendery, 1999, p. 73). Esta decoração vai ser utilizada durante muitos anos, continuando pelo período V. As decorações vegetalistas, tais como as grandes pétalas e folhas, generalizam-se e são comuns a quase todos os sítios arqueológicos, tanto nacionais como estrangeiros, tornando-se das ornamentações mais comuns. Surgem, ainda que timidamente, as primeiras representações do que ficou conhecido como “rendas”, mas que mais não são que elementos inspirados nas “penas de pavão”, dadas a conhecer na Europa pelas produções italianas. Acreditamos que este motivo tenha surgido por volta de 1645, ainda que o seu boom tenha ocorrido a partir de 1650 e durando, sensivelmente, até 1680. Em Jamestown, Virgínia, prato com esta decoração e coração alado ao centro, foi exumado em contexto 1650–1665 (Wilcoxen, 1999). Surgem ainda alguns exemplos da família das espirais, embora em menor quantidade, visto que a produção tende a diminuir a partir de 1640. A razão pode prender-se com o fim do domínio filipino e com o facto de aquela decoração fazer lembrar as produções espanholas e atentar contra o espírito patriótico da Restauração. A decoração, maioritariamente de inspiração oriental, já não reproduz fielmente o estilo exótico, como observável no período anterior, mas estiliza-se. Desta forma, a aba, ainda dividida em cartelas, apresenta crisântemos muito estilizados, longe do pormenor decorativo de outrora, alternando com aranhões que já não imitam diversos símbolos chineses, mas passam a apresentar, quase em exclusivo, uma reprodução das folhas de artemísia, tornando-se os rolos de papel quase irreconhecíveis. Prato guardado no museu de Hamburgo, datado de 1637, mostra a estilização da decoração de influência oriental (Keil, 1938), semelhante ao que foi recuperado em diversos arqueossítios londrinos com cronologias entre 1640 e 1660, tais como Lambeth Street ou Magdalen Street. Se estas decorações se uniformizam e perdem pormenor, por um lado, por outro a decoração de influência oriental vai conhecer um novo estilo, denominado por “desenho miúdo” que permitirá a continuação do requinte decorativo de certas peças. Recorrendo a pincel muito fino, o pintor delimitava cenas orientais, onde surgem diversas representações antropomórficas e zoomórficas, que preenchia com tons de azul e, mais raramente, amarelo. O seu rigor e qualidade permitem inferir que seriam peças destinadas a camada social mais abastada, possivelmente criando alternativa às decorações existentes, agora de fácil acesso a todos. A maioria dessas cenas era delimitada a violeta de manganês. Esta nova cor é, de facto, o grande marco deste período, sensivelmente a partir de finais da década de quarenta. De início é utilizado em quantidades diminutas, no limite do desenho miúdo, só se estabelecendo já no período seguinte. O centro dos pratos tende cada vez menos a apresentar imagens de influência oriental, dedicando-se a representações europeias, como figurações mitológicas de Vénus e Fortunas correndo nuas, cobrindo-se apenas por véu. Surgem, de igual maneira, diversas representações antropomórficas de aristocratas, nos seus melhores trajes, em cenas quotidianas e lúdicas tais como caçadas, jogos e música. Aparecem, também, diversas cenas do que têm comummente sido designadas como “temas portugueses”. Readquirindo a sua independência em 1640, o país encontrava-se sob elevada tensão bélica com os espanhóis, pelo que não é incomum a representação de soldados armados e cenas de batalha. Prato já estudado por João Pedro Monteiro e parte do acervo do Museu Nacional de Arte Antiga insere-se neste período, representando um fidalgo com um bastão na mão, que o autor identifica com representação de D. João IV, monarca da Restauração. Aquela figura, claramente portuguesa, apresenta-se rodeada por aba com decoração de influência oriental, característica deste período IV (Monteiro, 2002). Propagandeando o poder português, não são incomuns as representações das armas reais, objetos destinados à nobreza nacional, mas igualmente exportados, reafirmando a retoma do reino por nobres portugueses.”...

in Faiança Portuguesa:

Datação e evolução crono-estilística

Tânia Manuel Casimiro

http://www.patrimoniocultural.gov.pt/static/data/publicacoes/rpa/rpa16/19_351-367.pdf

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Coração concertado com técnica kintsugi

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Fri, 06 Aug 2021 11:57:38 GMT

Restauro Kintsugi

Já o leu algures, porque a Internet tratou de o espalhar, qual metáfora para corações partidos: se atirar um prato ao chão e depois colar os cacos, ele volta a ser o que era? A resposta é não. Mas o que o ciberespaço não elabora é que a peça – seja a loiça ou o seu sistema emocional – pode ficar melhor. Basta pôr um pouco de kintsugi na ferida.

O kintsugi – ou kintsukuroi – é uma técnica japonesa de reparação de cerâmicas que colmata as falhas de uma peça cobrindo-as de resina misturada com pó de ouro, prata ou platina. Reza a história que foi o shogun japonês Ashikaga Yoshimasa (que reinou de 1449 a 1473 durante o período Muromachi do Japão) que devolveu à China uma danificada tigela de chá em porcelana chinesa, para ser reparada, e o que recebeu de volta foi uma peça reconstruída com inestéticos agrafos de metal.

O desagrado foi tal que Yoshimasa pediu aos artesãos japoneses uma solução mais esteticamente aprazível de reparação, resultando nesta arte de “colar” fissuras com laca dourada. A popularidade foi tão exacerbada que alguns colecionadores foram acusados de quebrar cerâmicas de grande valor para que pudessem ser reparadas em modo kintsugi. A técnica, apesar da origem nipónica, pode ser aplicada a cerâmicas de berços diferentes, como China, Vietname, Coreia… e até ao mundo atual – de forma metafórica, claro, mas não menos poderosa em sentido.

"O KINTSUGI NÃO É SÓ UMA TÉCNICA – É UMA FILOSOFIA DE VIDA QUE COLOCA AS FALHAS NÃO COMO DEFEITOS, MAS COMO FATORES DE EVOLUÇÃO.”

Notícia completa em:

https://www.vogue.pt/kintsugi

Como uma filosofia, kintsugi pode ter semelhanças com a filosofia japonesa de wabi-sabi, a aceitação do imperfeito ou defeituoso. A estética japonesa valoriza as marcas de desgaste pelo uso de um objeto. Isso pode ser visto como uma razão para manter um objeto mesmo depois de ter quebrado e como uma justificação do próprio kintsugi, destacando as rachaduras e reparos como simplesmente um evento na vida do objeto, em vez de permitir que o seu serviço termine no momento de seu dano ou ruptura.

Kintsugi pode se relacionar com a filosofia japonesa de "não importância" (無心 mushin) que engloba os conceitos de não-apego, aceitação da mudança e destino como aspectos da vida humana.

Embora originalmente ignorado como uma forma de arte em separado, o kintsugi e métodos de reparação relacionados têm sido destaque em exposições na Galeria Freer no Smithsonian e no Metropolitan Museum of Art .

Se tiver uma peça que gostaria de a ver restaurada com a técnica de Kintsugi, agora pode fazê-lo no Atelier Rita Roque !

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Restauro de Vidro

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Fri, 30 Jul 2021 16:18:29 GMT

Restauro de Vidro

Um grande desafio!

Entrou no Atelier Rita Roque esta frágil bicicleta em vidro Murano. A dificuldade em restaurar esta peça encontra-se na sua delicadeza e na débil superfície de união.

Finalizado o trabalho, consigo vos dizer que o meu coração esta cheio de emoção. O trabalho foi bastante difícil especialmente pela superfície não ser plana, alem de todas as outas dificuldades inerentes ao #restaurodevidro.

cliente satisfeito!!!!

Fabricado em Murano para MuranoVitrum pelo nosso mestre vidreiro usando as antigas técnicas de vidro Murano.

in,

www.muranonet.com,

Murano se tornou o centro de fabricação de vidro de elite da Europa, alcançando popularidade nos séculos XV e XVI. O domínio de Veneza no comércio ao longo do Mar Mediterrâneo criou uma rica classe de comerciantes que era um forte conhecedor das artes. Isso ajudou a estabelecer a demanda por arte em vidro e mais inovações. A disseminação do talento na fabricação de vidro na Europa diminuiu a importância de Veneza e seus fabricantes de vidro de Murano. A ocupação e dissolução do estado veneziano por Napoleão Bonaparte em 1797 causou mais dificuldades para a indústria de vidro de Murano. A fabricação de vidro de Murano iniciou um renascimento na década de 1920. Hoje, Murano e Veneza são atrações turísticas, e Murano abriga inúmeras fábricas de vidro e alguns estúdios de artistas individuais. Seu Museo del Vetro (Museu do Vidro), no Palazzo Giustinian, contém exposições sobre a história da fabricação de vidro, bem como amostras de vidro que vão desde os tempos egípcios até os dias atuais.

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Conversas de Kimono

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Fri, 16 Jul 2021 18:16:15 GMT

Conversas de Kimono

Cerâmica Japonesa Kutani

Esta peça tem algo de misterioso, podemos imaginar e o que está representado neste desenho deste bule, podemos observar que são todos homens com os kimonos luxuosamente trabalhados, todos têm ouro. falam, discutem e observam documentos, estão bastante interessados no assunto que discutem.

Aprecio bastante esta peça, acho-a elegante na sua forma e bastante rica em detalhes na sua policromia. Ela trás uma estória até chegar ao Atelier Rita Roque , a proprietária dos dias de hoje não a primeira dona, parece que mete estória de sogras!!!

Quando por algum motivo não vamos com a cara das nossas sogras e tudo o que nos dão, nós despachamos a toda a velocidade…

Pois parece que é uma dessas estórias que está por detrás deste bule. E quem ganhou com isso foi a minha cliente.

Os detalhes que envolvem este cenário propriamente dito, vão ter que esperar para a saber… ainda não me foram revelados todos os detalhes. Prometo que assim que os tenha vos revelarei!

Mas o que vos posso falar já, é sobre a problemática da intervenção desta peça, não existe asa neste bule. O que fazer quando estamos perante uma lacuna total, sem registo fotográfico e não aparece nas pesquisas nada parecido com este exemplar.

Se por um lado a ausência de asa reduz significativamente a leitura do objeto de per si e como utilitário, por outro corremos o risco de recriar parte do objeto sem qualquer veracidade…

O conservador Restaurador depara-se diariamente com questões de ética desta natureza, neste caso esta peça pertence a um particular que tem vontade de que seja recriada a asa. É dever do conservador restaurador munir-se de um maior número de elementos para defender em relatório final a sua opção. Mas será sempre um assunto que levanta muita polêmica.

Se tiver uma peça que falte algum fragmento, não desespere conseguem se verdadeiros milagres!!! Gostaria de recuperar alguma peça nestas circunstâncias, não hesite em contactar-nos!

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Moldes na Conservação e Restauro de Cerâmica

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Tue, 13 Jul 2021 18:15:06 GMT

Moldes na Conservação e Restauro de Cerâmica

Esta foi desde sempre a área que mais me interessou na conservação e restauro de cerâmica. Fazer nascer o que o tempo fez desaparecer. É mágico!

Este é um processo que envolve destreza e conhecimento sobre os materiais envolvidos. Encontramos no mercado diversos tipos de silicone para moldes, este que estou a usar para fazer estas peças que estão em falta é um pouco duro e para esta área eu prefiro um mais flexível.

Este produto veio de Inglaterra, o que não foi um processo fácil devido à nova situação de Inglaterra com a Europa. Falo de C Silicone 2 Putty usado para moldes para dentistas, tem dois componentes. É necessário preparar a peça que vamos copiar para que o silicone não cole na cerâmica.

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Conservação e restauro de vidro

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Thu, 01 Jul 2021 16:18:26 GMT

Conservação e restauro de vidro

As técnicas usadas em conservação e restauro de vidro têm tanto de difícil e delicado como de estimulante. Aqui partilho convosco o preenchimento de lacuna ao tom utilizando resina.

O restauro de vidro é quase sempre percetível, a não ser que a peça seja com formas onduladas, angulosas e com cor, poder-se-á obter um resultado mais satisfatório.

Neste caso a peça tem um tom rosado com reflexos e foi adicionado ao tom um pigmento com reflexos.

Se tiver uma peça em vidro que gostaria de a recuperar, não hesite em contactar-nos!

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Emplastros

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Sat, 26 Jun 2021 16:39:28 GMT

Emplastros de limpeza

A palavra emplastro tem a sua origem no campo da medicina e refere-se à aplicação de uma compressa de limpeza sobre o corpo para aliviar uma infeção. A noção de emplastro foi adaptada para a limpeza dos edifícios históricos e um emplastro verdadeiro é utilizado para a remoção de contaminantes e de manchas profundamente penetrados a partir da superfície da alvenaria e da escultura. Na prática corrente, a palavra emplastro estende-se a uma larga gama de materiais e de técnicas de limpeza, de que nem todos exercem os efeitos de um verdadeiro emplastro sobre o substrato.

Aquilo a que se pode chamar de emplastro verdadeiro ou simples contém apenas água e o veículo de emplastro, baseando-se nestes elementos para a mobilização e a remoção do contaminante. O veículo de emplastro mais vulgar é a argila, assim como são também usados o papel e as fibras de algodão, e o talco, o cré e até a farinha e outros materiais tradicionais. Uma mistura de argila com fibra de papel produz uma mistura plástica e absorvente que é frequentemente preferida pelos conservadores para a escultura de pedra.

Este emplastro verdadeiro ou simples é geralmente usado para a dessalinização, para retirar os sais solúveis, ou como um método de limpeza de substratos tais como o calcário, que

respondem à limpeza por água. Nestes casos, deixa-se secar o emplastro e a sujidade e / ou os sais são transportados pela humidade, para o emplastro, pela ação da capilaridade. Podem ser necessárias aplicações múltiplas para se transportarem os sais do interior dos poros superficiais.

Qualquer que seja o veículo, o emplastro é misturado com água para formar um material que consiga aderir ao substrato. A argila forma uma massa pegajosa que adere bem à pedra e a outras superfícies. Estes emplastros simples podem ser vantajosamente misturados à mão e no

local, conforme vai sendo necessário, pela adição de água ao veículo de emplastro.

Catherine Woolfitt e Graham Abrey

Tradução por António de Borja Araújo, Engenheiro Civil, I.S.T.

Após esta introdução explicativa do uso de emplastros na limpeza de superfícies na conservação e restauro, tive vontade de partilhar convosco a solução criativa, com base no conceito e prática da utilização da técnica de emplastros que utilizámos no Atelier Rita Roque no processo de limpeza destes potes de #porcelana #companhiadasíndias que era necessário preservar o selo que está no fundo do referido pote, foi colocado panos de algodão para levar até ao topo o detergente utilizado para a devida limpeza.

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Restauro de Porcelana Companhia das Índias

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Tue, 22 Jun 2021 17:04:18 GMT

Cabelos em louça!

Cabelos não são para ignorar!

Como tratar cabelos em peças cerâmicas?

Comumente se ignoram as fissuras (os cabelos) nas peças, sendo elas de qualquer corpo cerâmico, terracota vidrada ou não, faiança ou porcelana, mas é de extrema importância o seu tratamento.

Obriga a um exigente cuidado na limpeza, que quase sempre passa por limpeza química, posteriormente procede-se à colagem por infiltração.

Este prato de porcelana companhia das índias que foi tratado no Atelier Rita Roque apresentava dois fragmentos destacados e dois cabelos.

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Vidro Murao

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Thu, 17 Jun 2021 11:14:04 GMT

A dificuldade de restaurar vidro!

Um grande desafio!

Entrou no Atelier Rita Roque esta frágil bicicleta em vidro Murano. A dificuldade em restaurar esta peça encontra-se na sua delicadeza e na débil superfície de união.

Andar de bicicleta é uma grande paixão, sempre foi nosso sonho criar um objeto de vidro que reproduzisse o charme deste objeto, honrando sua leveza e proporções.

Feitas à mão na tradicional técnica "lume", cada bicicleta vem em cores diferentes, de acordo com a criatividade e imaginação do vidraceiro.

Isso torna cada obra de arte quase única.

Fabricado em Murano para MuranoVitrum pelo nosso mestre vidreiro usando as antigas técnicas de vidro Murano.

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Potes da Rainha D. Amélia

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Tue, 15 Jun 2021 11:12:03 GMT

Os Lindos Potes com tampa que entraram no Atelier Rita Roque para restaurar

Estes lindos potes com tampa #companhiadasíndias entraram no #atelierritaroque para restaura r . São estas peças que me fazem lembrar porque sou #restauradora, é neste momento que sentimos a importância de preservar e cuidar do nosso património.

Estes potes pertenceram à Rainha D. Amélia, e estão a precisar dos nossos cuidados, após análise detalhada da @Carina Dias, membros da equipa do Atelier Rita Roque, foram detetadas as seguintes patologias, um cabelo, vários fragmentos colados e lacunas no bordo superior. Neste momento estão na fase da limpeza, no banho de imersão e estamos com todo o cuidado porque têm selos que queremos preservar a todo o custo.

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Ai Weiwei expõe em Portugal painel de azulejos

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Mon, 31 May 2021 19:16:12 GMT

Painel de azulejos feito na fabrica Viúva Lamego faz parte das obras de Ai Weiwei que vão estar expostas na Cordoaria Nacional no próximo dia 4 de Junho

Aproveitando o tema azulejos, que toca o Atelier de Rita Roque na área da conservação e restauro de cerâmica e a área das artes visuais, para falar do artista Ai Weiwei que vai inaugurar a sua primeira exposição em Portugal na Cordoaria Nacional em Lisboa, no dia 4 de junho. O artista e ativista dissidente chinês, mundialmente reconhecido como um dos mais influentes, interventivos e criativos nomes da arte contemporânea, uma exposição de 4000m2 onde exibe algumas das suas obras mais icónicas, e quatro novas peças produzidas exclusivamente em Portugal.

Ai Weiwei – Rapture reúne 85 obras, onde se incluem instalações e esculturas em grande, média e pequena escala, assim como vídeos/filmes e fotografias. A curadoria é assinada pelo brasileiro Marcello Dantas, idealizador de uma série de grandes exposições do artista pela América Latina nos últimos anos.

O Artista na produção de algumas das suas obras contou com a colaboração de artesãos portugueses e usou as instalações da conhecida fábrica Viúva Lamego para construir um painel de azulejos, tendo assim contacto com as técnicas da azulejaria portuguesa.

Atelier Rita Roque milagres acontecem

Conservação e Restauro

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Deita-Gatos

ritamgroque@yahoo.com (Rita Roque) — Sun, 16 May 2021 19:26:20 GMT

"Deita gatos em bacias e alguidares, amola tesoiras e navalhas, conserta chapéus de sol"

Deita-Gatos

Restaura louça com Gatos era a tarefa do deita-gatos, com o pregão “ Deita gatos em bacias e alguidares, amola tesoiras e navalhas, conserta chapéus de sol”

O Deita-gatos começava por unir os fragmentos e por cada gato a colocar marcava dois pontos onde fazia dois furos com um berbequim primitivo e manual, a colocação dos gatos e apertá-los no sitio certo era “ coisa de artista”.

Na minha pesquisa encontrei este poema de Fernando Pessoa que não resisti em partilhar convosco.

Ó rapaz que deita gatos,

Deitas gatos só em pratos,

Só em tachos e tigelas,

Ou deitas gatos também

Nas almas e no que há nelas

Que as quebra em mal e em bem?

Ah, se, por qualquer magia,

As tuas artes subissem

Àquela melhor mestria

De pôr gatos que se vissem

Nesta alma que se quebrou

No que sonho e no que sou!

Então...Qual então! Que tratos

Dei a um poema que surgiu!

Só consertas, só pões gatos

No inteiro que se partiu.

O que partido nasceu

Nem tu consertas nem eu.

Fernando Pessoa

Por vezes chega até ao Atelier Rita Roque peças cerâmicas que têm gatos e que o cliente pretende que permaneçam na peça depois de intervencionada.

O processo de conservação e restauro de uma peça com estas características começa com um maior cuidado no retirar dos gatos para não os danificar e também eles requerem a maioria das vezes de intervenção. No final do processo são colocados na peça.

Rita Roque

Atelier de Conservação e Restauro

Cerâmica, Azulejos, Vidro e Arte sacra

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Rita Roque e o Restauro

De visita a Cascais

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De cabelos em pé! Fervença ou Bandeira

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Atribuir a fabricas a peças de faiança não marcadas.

À RODA COM Jorge Mealha Costa

sente-se connosco à roda de oleiro!

A Historia entra sem pedir licença!

Quem passa pelo Atelier Rita Roque nunca sabe quem e o que pode encontrar!

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O que Azulejou os dias do Atelier nos meses de Março e Abril

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Convento de Santa Clara abre portas completamente restaurado

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Momentos Felizes!

O privilégio de trabalhar em peças de rara beleza e com valor artístico!!!

Museu do Abade de Baçal lança campanha para restauro dos seus tesouros escondidos

No museu de Bragança é inaugurada este sábado uma exposição com as peças mais importantes que se encontravam nas reservas e com ela lança-se uma campanha de angariação de fundos para as restaurar.

Os tempos mudam e transformam-nos

Intervenção mínima

"Au bon marché" em Lisboa

"Au bon marché" em Lisboa

Um sábado especial!

Na manhã ensolarada do sábado dia 24 de Setembro, entrou no Atelier de restauro Rita Roque pela mão de um cliente "especialista" estudioso por criadores, fábricas e escolas de cerâmica, esta linda peça é portadora de um legado histórico de extremo interesse.

Este jarro foi desenhado por Alphonse Voisin Delacroix em 1892 ou 1893 e executado pelo ceramista "art nouveau" Pierre Adrien Dalpayrat, e alguns exemplares como este foram vendidos desde o final do seculo XIX até ao inicio do seculo XX na loja "Au bon marché" que ainda hoje existe.

Perdiz para o jantar...

Restauro de Porcelana Espanhola

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Licínio Pinto e Francisco Pereira

A mais famosa dupla de ceramistas aveirenses

Licínio Pinto e Francisco Pereira é a dupla de pintores de azulejos mais famosa de Aveiro, com obras espalhadas por todo o país, com destaque para estações da CP, sendo autores das três primeiras estações portuguesas decoradas com painéis artísticos.

Jacarés em Itália?

Restauro de Porcelana

Faiança Portuguesa sec.XVIII

Faiança Portuguesa sec.XVIII

Coração concertado com técnica kintsugi

Restauro Kintsugi

Restauro de Vidro

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Conversas de Kimono

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Moldes na Conservação e Restauro de Cerâmica

Moldes na Conservação e Restauro de Cerâmica

Conservação e restauro de vidro

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Emplastros

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A dificuldade de restaurar vidro!

Potes da Rainha D. Amélia

Os Lindos Potes com tampa que entraram no Atelier Rita Roque para restaurar

Ai Weiwei expõe em Portugal painel de azulejos

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Deita-Gatos

"Deita gatos em bacias e alguidares, amola tesoiras e navalhas, conserta chapéus de sol"